San Pablo, la ciudad inabarcable, la cuna de la arquitectura moderna, la mega urbe de vidrio y hormigón. Cosmopolita, superpoblada, de escala urbana monumental: San Pablo extiende la “brasilidad”, pura identidad, en un movimiento permanente. Desde la icónica avenida Paulista que condensa el pulmón de la escena financiera, hasta los microgestos culturales que transforman los barrios en cajas de resonancia: la ciudad se reinventa a un ritmo desaforado, entre joyitas de Lina Bo Bardi y Oscar Niemeyer, dos maestros de la arquitectura mundial, festivales culturales y autopistas que, los domingos, se transforman en cintas de cemento caminables.

En la Semana de Diseño, las calles de nueve distritos se vuelven aún más el eje central. Como en marzo, cuando la plataforma urbana celebró 15 años en la escena. Más de 120 mil personas participaron, o lo intentaron, en más de 550 actividades organizadas bajo el hilo conductor del Legado Creativo. Con cruces interdisciplinarios, lanzamientos y urbanismo vivo, el festival consolidó su misión: ya está marcado en rojo en las agendas de los más importantes del sector, tanto a nivel regional como internacional.

“Un músculo creativo en pleno crecimiento”, define Lauro Andrade, el director general de DW! Una buena metáfora la del músculo: implica fuerza, entrenamiento, movimiento, calor y coordinación. Todo esto sucedió con el ecosistema económico, cultural y social que involucra la Semana de Diseño, que consolidó a San Pablo no solo en el centro financiero de la región, sino en el mapa de los ecosistemas creativos más innovadores.

El eje curatorial potenció el impacto de la propuesta que se expandió como un pulpo, inyectando identidad, arte y diseño en edificios, galerías, plazas, bibliotecas y avenidas serpenteantes que conectan barrios enteros. El concepto sirvió para explorar cómo las ideas, las prácticas y las investigaciones trascienden el tiempo y se transforman en nuevos mapas del futuro.

En ese entramado urbano estas disciplinas se integraron desde sus raíces: involucraron a actores de las industrias culturales de gestión estatal y municipal, fortalecieron la economía y se proyectaron como un faro de referencia global.

Las novedades en interiorismo, las técnicas ancestrales, la robustez de la industria de mobiliario y textil y las muestras interdisciplinarias coparon los distritos del Centro, Pinheiros, Vila Madalena, Jardins, Santa Cecilia, la Avenida Paulista y la icónica Alameda Gabriel Monteiro da Silva. Se convirtieron en punto de encuentro de estudiantes, arquitectos, paisajistas, interioristas, visitantes y vecinos. Todos los participantes tuvieron muy presente la identidad. En este festival se celebró un adn con lenguaje propio.

Entre las actividades más convocantes que saturaban el sistema de reservas se destacaron dos casas que abrieron sus puertas por primera vez: la Casa Bola y la Casa-Ateliê Tomie Ohtake.

Proyectada entre 1974 y 1979 por el arquitecto paulista Eduardo Longo, la esfera metálica que sobrevuela el barrio Itaim Bibi, uno de los más exclusivos, plantea una visión utópica y lúdica del habitar. Esta vivienda familiar, un experimento de arquitectura y diseño, fue pensada para replicar y llenar de casas -bola la ciudad. La cápsula espacial de 8 metros de diámetro es tan excéntrica como funcional.

De impronta industrial se transformó en uno de los íconos de la ciudad y en una de las piezas más radicales de la arquitectura brasileña del siglo XX. Romper el molde, y los paradigmas tradicionales de la vivienda familiar fue el punto de partida. Todos los espacios son circulares y blancos, menos el tobogán, en amarillo estridente, que arranca en la pieza de los chicos y termina en una pileta. Porque Longo no solo diseñó el prototipo, también vivió su proyecto por dentro, atravesó esa lógica cotidiana con su familia. Fluida y envolvente, la Casa Bola fue, sin dudas, una de las grandes protagonistas que puso en tensión su construcción artesanal y su visión futurista.

Nadie se quiso perder la experiencia de conocerla por dentro, de circular por habitaciones, baños y espacios comunes, una iniciativa de la plataforma Aberto5, que revaloriza conjuntos históricos y los abre al público con intervenciones performáticas vinculadas a la arquitectura del lugar. En este caso, se presentaron alrededor de 60 obras de 47 artistas contemporáneos. La exposición fue curada por Filipe Assis, Claudia Moreira Salles y Kiki Mazzucchelli.

En tanto, las puertas de la Casa-Ateliê Tomie Ohtake también se abrieron por primera vez. “Percursos do habitar” inauguró una nueva etapa en la antigua residencia de la emblemática artista y escultora de origen japonés. Curada por Catalina Bergues y Sabrina Fontenele, la exposición reúne seis proyectos residenciales del arquitecto Ruy Ohtake, su hijo, realizados entre 1960 y 2010. El foco estuvo centrado en la vivienda como espacio de sociabilidad, memoria y vida cotidiana. Ohtake concentró el programa bajo una única cubierta, casi como una topografía interior, donde living, comedor y atelier se leen como un paisaje fluido en función de generar un espacio compartido. Una de sus operaciones más radicales fue eliminar la circulación convencional. El recorrido repasa las obras de arte pero, a la vez, funciona como una gran continuidad espacial reforzada por los lucernarios, los patios que recuperan el agua de lluvia y el jardín: un verdadero manifiesto del habitar.

Por otra parte, en la Alameda Gabriel Monteiro da Silva se concentran 100 showrooms de diseño con puestas escenográficas y dimensiones XXL. Las firmas que pisan fuerte lanzaron las colecciones que marcarán tendencia –muchas se replicaron en la Semana de Diseño de Milán—con intervenciones artísticas. Como Artefacto, que lleva 50 años en el mercado. Por sus dimensiones generosas se pudieron dar el gusto de ubicar en sus vidrieras las piezas XXL del diseñador Sergio Matos, experto en mapear la esencia y biodiversidad del Amazonas en poltronas, hamacas y sillones de volúmenes desmesurados y formas orgánicas.

En Estar Moveis, los artistas convocados reflexionaron sobre uno de los temas candentes del momento: la IA. El colectivo Moola investigó el impacto de la inteligencia artificial y otras tecnologías explorando en sus obras los límites entre lo humano, la máquina y la construcción de la realidad.

En Boobam se celebró la “brasilidad”. La firma convocó a 14 diseñadores para diseñar piezas con identidad bajo el paraguas de la expo “Casa Brasileira”. Una foto que captura un momento clave: el de la producción que implica articular saberes ancestrales y traducirlos a gestos de diseño contemporáneo.

Otro de los puntos fuertes fue el Fashion Hub DW!, dedicado al diálogo entre el diseño circular y la moda contemporánea. En el Centro Cultural de San Pablo (CCSP), con más de 2000 m2, el programa gratuito incluyó exposiciones, conferencias, desfiles de moda, películas e iniciativas relacionadas con la sostenibilidad.

En esta ciudad proyectada en capas superpuestas, entre autopistas elevadas, ríos controlados y nuevas torres que avanzan sobre antiguos barrios, se reconfigura el paisaje social. Aún sin ostentar el título de capital (a cuenta de Brasilia), revalida el del pulmón financiero. Y el de la diversidad, ya que San Pablo absorbe migraciones y reconfigura su paisaje social. Italianos, japoneses y comunidades latinoamericanas imprimieron sus marcas en la vida cotidiana. Esa mezcla sostiene su condición cosmopolita, con una dinámica en pleno movimiento que se siente en su densidad, que interpela desde todos los sentidos.

Cuando Caetano Veloso llegó a San Pablo, “no entendía nada”, según canta en “Sampa”, la canción que le dedicó a la ciudad uno de los grandes nombres de la música brasileña y figura central de su cultura. Caetano condensó, como pocas canciones, una interpretación poética de San Pablo, que la describe con palabras como desconcierto, velocidad, mestizaje, contradicción, creación.

Es que la ciudad se transforma en personaje vivo. Los domingos, por ejemplo, la Avenida Paulista muta a una pista peatonal, libre de autos. Hace 10 años esta iniciativa le cambia la piel a este ícono cultural que alberga espacios emblemáticos como el MASP (Museo de Arte de São Paulo), la Casa das Rosas, el edificio SESC, el Instituto Itaú Cultural y el Conjunto Nacional, entre otros. Así, ciclistas, patinadores y artesanos copan el parque lineal de cemento, transformando el paisaje del tránsito intenso en una postal relajada.

La gastronomía reúne propuestas callejeras en los clásicos botecos paulistas, el equivalente a los bodegones porteños, que con el tiempo se transformaron en los secretos mejor guardados del turismo de paladar exquisito. El Bar Brahma, en la esquina mítica de Ipiranga y São João, es tan conocido como Luiz Fernandes Bar, famoso por sus petiscos, o el Bar Veloso, un clásico.

A la par, la ciudad cuenta con una ruta de estrellas Michelin de 48 restaurantes reconocidos y otros 32 con menciones en Bib Gourmand. El 13 de abril pasado, la edición 2026 de la Guía Michelin consagró a los dos primeros restaurantes paulistas en obtener 3 estrellas y sostuvo a cuatro restaurantes con dos. Evvai y Tuju se alzaron con los tres primeros galardones de América Latina.

Inspirado en los ciclos de lluvia y con laboratorio propio, a Tuju se llega por una calle sin salida, diseñada por el arquitecto Ángelo Bucci. El recorrido de sabores arranca en un patio ajardinado, sube al salón principal con cocina abierta y termina en la terraza. La experiencia que cobra altura está a cargo del celebrado chef Iván Ralston y su mujer, Cahterina Kordás, que ponen el foco en las temporadas de lluvia como hilo conductor para la elaboración de platos.

En tanto, en Evvai, el chef, escritor e ilustrador Luiz Filipe crea puestas escenográficas y cosecha premios con un ingrediente secreto: la temperatura de los ingredientes. El restaurante de autor está pensado como escenario, con un director que escribe el guión, lo cocina y lo ilustra. Evvai fusiona la cocina italiana con la brasileña.

Esta edición conmemorativa también subrayó el reconocimiento institucional del festival dentro de las políticas públicas estatales y municipales de cultura y economía creativa. La Secretaría de Cultura, Economía Creativa e Industria del Estado de San Pablo, junto a la Secretaría Municipal de Cultura y Economía Creativa, fueron los principales impulsores de este dispositivo urbano que copó las calles.

La identidad visual, en tanto, fue creada por Colletivo Design. Los diseñadores se basaron en el concepto de “individuo múltiple”, inspirados en la imagen del tejido. La propuesta entiende a cada persona como un hilo que, al entrelazarse con otros, construye una red colectiva; una imagen que refleja directamente la diversidad cultural. Para Lauro Andrade, el creador del festival, esta edición remarcó “la capacidad de anticipar tendencias y estructurar el diseño brasileño como una potencia cultural y económica. Sin duda, DW! evolucionó al ritmo del mercado y de la maduración del diseño en Brasil. Estas acciones y herramientas contribuyen a posicionar al país en el escenario internacional con autenticidad. El legado es colectivo y consistente: consolida una visión estratégica para la cadena de producción del diseño”, señala.

El músculo paulista se vio fortalecido y generó un ecosistema productivo de puertas abiertas. Entre experiencias urbanas, reflexiones sobre las nuevas formas de habitar y viajes a través de sabores, la Semana de Diseño de San Pablo celebró sus 15 ediciones transformando la ciudad en un ecosistema integrado por cruces interdisciplinarios, lanzamientos, tendencias y urbanismo vivo. Diseñar futuro desde la raíz, con visión estratégica, dimensión económica e historia propia como herramienta clave.